Aquí os dejo mi paso por el programa Más Vale Tarde de la Sexta TV. Un programa de máxima
audiencia que lleva años en antena presentado por Mamen Mendizabal y Alberto Herrera.

MVT está dedicado principalmente a Actualidad política pero también trata temas varios en los que se incluye la sección de  Pablo Ortiz de Zaráte, Más Vale Arte , que nos acerca al mundo del arte contemporáneo de una forma coloquial que permite entenderlo más facilmente.

Muchas gracias Alberto Herrera.



Hoy el periódico Levante-EMV me dedica un fantástico reportaje y portada! 😍 😅😅 
Domingo 16 de Septiembre. Edición impresa.
El periódico Vozlibre.com me dedicaba este maravilloso artículo en relación al evento de David Guetta:
https://vozlibre.com/cultura/retratar-david-guetta-tres-horas-la-genialidad-jordi-machi-18831/
Muchas gracias!!

Cómo retratar a David Guetta en tres horas: la genialidad de Jordi Machí
El artista pintó en lo que duró la presentación del disco del DJJordi Machí demostró una vez más su genialidad al retratar a David Guetta en apenas tres horas. Aprovechando la presentación del disco del Dj, el artista pintó el cuadro.
El Dj internacional David Guetta vuelve con nuevo disco, ‘7’. Y para su presentación en Madrid escogió, además, al pintor Jordi Machí para que le hiciera un retrato en vivo y en directo. Una genialidad del artista español que hizo en apenas tres horas.

Jordi Machí comenzando el retrato de David Guetta
Jordi Machí comenzando el retrato de David Guetta
Con sus brochas y pinturas, Jordi Machí se presentaba en la azotea del lujoso hotel de Madrid donde Guetta daba a conocer su nuevo trabajo. Y mientras el Dj lo presentaba, el pintor se dedicaba a retratarle. En mitad del evento, y con la mirada curiosa de los asistentes siempre presente, Machí pintaba un retrato que sorprendió a todo el mundo.
Y es que la rapidez y la genialidad del pintor español dejó sin palabras a los que pudieron seguir el proceso en directo. Muchos se acercaban a él mientras Guetta presentaba su nuevo disco ante los medios y respondía a la cancelación de su concierto este verano en Santander.
Un suceso que podría llevarle a los tribunales tras la denuncia de los organizadores del mismo y de los asistentes. El Dj, que se mostró tranquilo, aseguró que estaría “feliz” de ir a los juzgados si así lo requería el caso.

Jordi Machí en dos momentos del proceso
Jordi Machí en dos momentos del proceso
Disco doble
David Guetta presentaba un disco doble, con uno más popero y otro más ‘house’. Éste último firmado bajo el seudónimo de Jack Back.
Después de cuatro años sin publicar un álbum de estudio, el Dj vuelve así multiplicado por dos. Guetta, uno de los más célebres del mundo en su campo, por fin encuentra sucesor a su exitoso ‘Listen’. Un disco del que vendió más de millón y medio de copias y con el que logró el disco de oro en España.

Los asistentes pudieron seguir el proceso de creación de la obra
Los asistentes pudieron seguir el proceso de creación de la obra
Será este viernes cuando ‘7’ vea por fin la luz para los seguidores de Guetta. Tanto en su formato físico como en el digital. Plagado de colaboraciones, cuenta con 12 temas a los que ponen voz artistas como Sia o Justin Bieber. También Becky G, Sean Paul, Bebe Rexha, Jason Derulo, Nicki Minaj o el reggaetonero J Balvin. Sin embargo, para su primer single, Guetta confiaba en la británica Anne Marie. Una artista prácticamente desconocida hasta ahora.
Jordi Machí, el pintor que conquista América
David Guetta se quedó encantado con el retrato que le hizo Jordi Machí. Y no es para menos, dada la genialidad el pintor español.
Nacido en la localidad valenciana de Algemesí en 1983, ha recorrido con su obra Italia, Bélgica o EEUU, donde ha conquistado a muchas celebrities. Entre ellas, a Kim Kardashian y Kanye West.
También conquistaba el país americano con una espectacular exposición basada en el clásico de ‘El Principito’, de Saint-Exupéry.
Con motivo de la 7ª Assamblea Iinternacional #ICCN 2018 celebrada en Algemesí y la Festa de La Mare de Déu de la Salut 7 i 8 de setembre ,  fiestas declaradas patrimonio inmaterial de la humanidad por la #UNESCO, estáis invitados a la muestra de arte que expongo en el Museu Valencià de la Festa Algemesí.

El antiguo convento de Sant Vicent Ferrer de Algemesí, construido en el siglo XVI, es la sede del Museu Valencià de la Festa.
El museo es la subsede de la Red de Museos de la Diputació de València, por lo que será el lugar donde se archiven los documentos audiovisuales más destacados de nuestras celebraciones y, por supuesto, con carácter público para que todo podamos consultarlos.

Un honor para mí formar parte de este canto a la cultura internacional.  Al evento asistirán 22 delegaciones desde China, Israel, Itàlia, Filipines, Iran, Índia, Vietnam, Elx, Letònia, Eslovàquia, Palestina, Mauritania, Algèria i Hong Kong.. 
Podréis visitar a  partir del 6 de Septiembre en el Museu Valencià de la Festa Algemesí.

Muchas gracias Julio Ramón Blasco por esta gran oportunidad!





De todas las ciudades del mundo, Algemesí es la elegida. El municipio ribereño acogerá la sede del ICCN, la red de ciudades patrimonio cultural inmaterial de la humanidad de la Unesco. La sede física se ubicará en el Museu de la Festa y la presidenta de la entidad pasa a ser la primera autoridad local, en este caso la alcaldesa de la ciudad, Marta Trenzano. Esa ha sido la decisión de los miembros del ICCN reunidos en la séptima asamblea que se ha celebrado en Algemesí. La Inter-City Intangible Cultural Cooperation Network es una organización internacional de gobiernos locales y organizaciones culturales que tiene como objetivo proteger el patrimonio cultural inmaterial. El ICCN trabaja para explorar políticas creativas y efectivas para mantener ese patrimonio y su relación inseparable del desarrollo local sostenible. En la actualidad tiene 34 asociados de 31 países y cuenta con la acreditación y el respaldo de la Unesco.
Algemesí ha tenido una participación activa desde si ingreso en el ICCN. En todas las asambleas y reuniones ha tenido presencia tanto institucional como de bailes que participan en las Fiestas de la Mare de Déu de la Salut. «Hemos sido constantes porque creemos en el esfuerzo colectivo como vía para el entendimiento entre las diversas culturas y para dar a conocer nuestro patrimonio», asegura Marta Trenzano. Para la alcaldesa de Algemesí, «es obligado reconocer el trabajo institucional llevado a cabo por anteriores corporaciones, así como por Julio Blasco y sus colaboradores al frente del Museu de la Festa. El trabajo de ellos, de las personas implicadas en las Fiestas de la Mare de la Salut y de todos los trabajadores del Ayuntamiento se ve recompensado con este reconocimiento que se convierte desde ya en un nuevo reto para nosotros». Levante.



Jordi Machí

Hoy inauguramos More Than Art!


A partir de hoy día 9 de agosto de 2018 a las 19:30h, Madrid acoge “More tan Art”, un evento de arte contemporáneo que tendrá lugar en un lugar históricamente privilegiado y lleno de encanto pictórico, nada menos que en el lugar donde estuvo la residencia del gran pintor español Diego Velázquez.  Y es que entrar a la Appa Art Gallery y saber que en sus recovecos llenos de arte una vez pintó el máximo exponente de la pintura española y el maestro universal Diego Velázquez te embriaga de magia. 

El evento organizado por Chus Belinchón y la Appa Art Gallery contará con una muestra colectiva de artistas en la que me incluyo, tanto consolidados como emergentes que van desde el street-art al collage, el arte digital en 3D o la pintura realista contemporánea.





Desde el 9 hasta el 31 de agosto de duración, los/as artistas participaremos en actividades como masterclass y conferencias, el mismo día de la inauguración incluiremos una fiesta con música y un espectáculo de pintura en directo con “The Apollo Walls”.

Además concretamente el día 30 de agosto daré una conferencia sobre mi experiencia y lucha frente al hecho de vivir del arte. Algo bastante nuevo para mí, pero algo ante lo que tarde o temprano tenía que enfrentarme.









Espectáculo en directo
“THE APOLLO WALLS”.
Son un equipo formado por un fotógrafo y un muralista. Ellos realizan street
art, pegando fotos de grandes dimensiones en muros que después pintan
con sprays. Crean obras muy llamativas y verlos pintar en directo es mucho
más visual que usar cualquier otro tipo de técnica. Su idea es fotografiar a un
personaje público y pintarlo con temática libre. Pueden crear en una jornada

de un mural hasta de 10 metros, gracias a su técnica.


Cargado de buena música y buen ambiente desde las
19:30 horas hasta el cierre. Participan:
Emma Melikyan cantante, bailarina y mc nacida en Armenia, residente en
Madrid. Sus orígenes, sus viajes y las cintas en casette de artistas como
Michael Jackson fueron su inspiración para iniciar su carrera como artista.
Atraida por la cultura Hip Hop, Emma se sumerge en el mundo de la
música y de la danza. Ha estado en constante movimiento desde entonces,
colaborando con artistas nacionales e internacionales. Presentará parte de
un trabajo ecléctico, finalizado en el 2017 y temas en los que está
trabajando actualmente. Con ritmos urbanos y letras con mensaje, Emma
ofrece un directo que fusiona el rap, el rnb, el soul y el funk, enfocado a
despertar las emociones del público.
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Ella Váldez y Gabriel Martín, dos artistas de origen peruano, coincidieron
en su etapa de formación a manos de Jesús Yanes. Desde entonces hacen
colaboraciones de diversos estilos. Ella desde su lado más jazz, soul y blues
y Gabriel desde el lado más íntimo y cantautor. Presentarán en directo
temas versionados en acústico.
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I.García, productor musical y técnico superior de sonido, comenzó su etapa
musical a finales de los 90, habiendo trabajado en diferentes proyectos
como productor, mc y técnico de sonido. En la actualidad, está trabajando
en el último proyecto de Emma Melikyan, y colabora con distintas
empresas como Dj y asistente de sonido.

Jordi Machí.
Aquí os dejo un artículo basado en el documental de la BBC emitido en 2017, ”Who's Afraid of Conceptual Art? ” En el que intentaremos responder a unas cuantas atormentadoras preguntas.

Qué es el arte conceptual? Porqué los artistas crean estas obras? Que nos estamos perdiendo que nos hace No entender este tipo de arte que encontramos en las mayores ferias de arte y en muchas de las galerías actuales? Bienvenidos al misterioso mundo del arte conceptual.


En mi lucha interior frente el arte actual en todas sus formas, voy a intentar entender lo que significa el que quizás es el arte que más polémica y más rechazo produce, el arte conceptual y aclarar un estilo que no es apto para todas las mentes. Quien sabe si quizás a través de sus artistas más representativos, podremos cambiar nuestra idea sobre el arte conceptual.

Antes del siglo 20 existían objetos y por otra parte existían las obras de arte. Algunos de los objetos rutinarios eran funcionales e incluso algunos no eran ni siquiera bellos. En cambio las obras de arte eran las producidas por artistas y generalmente eran muy bonitas y también muy caras. Una distinción que no era difícil de entender y con la que la gente se sentía a gusto.

Pero a partir de esta época, el sistema del arte empezó a desmoronarse y los objetos empezaron a parecerse cada vez más a obras de artes y viceversa, las obras de arte se volvieron más parecidas a los objetos hasta el punto que se volvió cada vez más potencialmente difícil distinguirlos entre ellos. Todo esto confundió a mucha gente y enfadó a muchos otros. Estábamos ante la primeros signos del arte conceptual.


Y el primer gran innovador en este campo fue el artista Marcel Duchamp quién hizo tambalear los cimientos del arte moderno. En los años 60s se empezó a usar objetos cotidianos que más tarde eran rehechos y convertidos en piezas de arte. Duchamp decía “El gusto es el peor enemigo del arte” Su intención era introducir humor y hacer un arte que no le gustara a todo el mundo intencionadamente ofreciendo un revolucionario punto de vista; “No todo es arte pero todo puede ser arte porque los objetos no importan lo que importa es el concepto y la idea”. Y aunque Duchamp pronto abandonó el gremio hizo explotar el concepto que se tenía hasta el momento sobre el arte. Era el nacimiento del arte conceptual.


Duchamp

Siguió sus pasos el destacado artista conceptual Manzoni quién a principios de los años 60 firmaba cuerpos de gente con la intención de convertirlos en obras de arte, hinchaba globos que posteriormente exponía en galerías y creaba absurdos objetos. Pero quizás su obra más recordada fue sin duda  “la mierda de artista en una lata” que llegó a costar 200 veces más caro que su mismo peso en oro. Claramente Manzoni quería provocar y sin duda estaba burlándose de nosotros, de los museos , de los críticos de arte. Pero pensándolo detenidamente, estamos ante un concepto extremadamente inteligente, porque ni siquiera sabemos que hay a ciencia cierta lo que hay dentro de la lata, podría ser cualquier cosa,  nunca jamás se abrirá ya que perdería todo su valor, lo que contiene es una idea. Manzoni murió de sida en el 91, pero sus objetos quedaron para siempre y es recordado como uno de los cuatro padres del arte conceptual.


Manzonni

Otro es el artista Martin Creed que conviertía los objetos en arte, montaba galerías absolutamente vacías con tan sólo una luz y por supuesto también usaba excrementos. “El arte conceptual es divertido, es original, no importa  el resultado si de lo que hablamos es arte entonces ya no apesta.” Personalmente me sigue confundiendo esta idea.



Martin Creed

En 1897 El artista y humorista Alfonso Aley, expuso unos cuadros monocromáticos simplemente con un color plano que visualmente no significan nada, hasta que lees su título;
 Un cuadro blanco “Primera comunión  de niñas en una tormenta de nieve”, un cuadro rojo “Cardenales apopléjicos cosechando tomates en la orilla del mar rojo” Y un cuadro negro “Negros peleando en una bodega por la noche”. Cuando parece que está tomándonos el pelo en realidad lo que realmente quiere exponer es que a veces las palabras son más importantes que la imagen.


Alonso Aley

Cuando hablamos de arte conceptual, hablamos de una revolucionaria atmósfera en la cual los objetos decorativos se vuelven cada vez más y más arte, cambiando así la descripción del arte.

Una pieza polémica de 1973 del artista Michael Craig Martin puso a prueba nuestro entendimiento al exponer un vaso de agua y lo tituló “ Un roble”, creando un filosófico dialecto entre el artista que pretende confundir al público.
Nos dice que ya no es un vaso de agua sino un roble,  un vació semántico que confunde al espectador en mi opinión.


Michael Craig Martin

Craig coincide con Duchamp i Manzoni en que cuando hablamos de arte conceptual lo que importa es el significado.
La idea se convierte en una maquina que hace arte, un arte que emocione al espectador. El cerebro después del corazón.

La artista Mary Kelly y su obra "Post-Partem proyect” de 1973 y 1979,  convierte el arte conceptual en piezas intimas. En su obra trabaja sobre la figura de su hijo. Provocó un escándalo cuando expuso un pañal sucio a modo de lienzo pero se convirtió en una obra referencia del arte feminista. Un trabajo documentativo en la que Mary Kelly recoge eventos de la vida y crecimiento de su hijo, así como sus preocupaciones como madre en la relación con este..  Se trata de un auto-entendimiento creado para ella misma, no es una obra solo para ver, es después de leerlo y entenderlo, cuando encuentras un trabajo poderoso , inteligente, y emocionante. 


Mary Kelly. Post-partem Proyect

Hoy los artistas de arte conceptual siguen intentando usar palabras de una manera nueva, innovadora y fresca. Uno de ellos es Robert Moncomun que saca a pasear sus textos fuera de la galería introduciéndolos en el mundo exterior como piezas luminosas. Llama la atención de la gente y lanzando románticos y apolíticos mensajes a veces muy profundos con la intención de emocionar. Moncomun consigue conmover y sus mensajes se han hecho muy virales.   “Las personas que amas se convierten en fantasmas dentro de ti y gracias a esto las mantienes vivas” Nos invita a ver que los fantasma pueden ser algo positivo, Este mensaje tuvo mucho impacto e incluso algunas personas se lo tatuaron. 


Moncomun

Si el objetivo del arte es tocar las emociones de la gente, llegar al corazón, invitarnos a pararnos, mirar y reflexionar, la función estará lograda en ocasiones por este estilo.. Quizás en ciertos aspectos sí podamos cambiar nuestra mente ante el arte conceptual.

Pero que pasa con el Performance,  probablemente mucho menos entendido por la mayoría. Pero sin duda el body-art tiene un largo recorrido en la historia de la humanidad pese a que todo el potencial del cuerpo todavía está por explotar. El arte trata sobre conmover, y una forma de hacerlo es a través del cuerpo o en escenarios.

Pongamos el ejemplo de Yoko Ono, quién se sentó en un museo mientras los espectadores entraban y le cortaban partes de su vestimenta. 


Yoko Ono

Y en Londres, Bruce Mckain intenta redefinir el concepto de escultura: objetos sin concepto y concepto sin objetos, la escultura social. Y es que a veces el artista se convierte en el propio arte. Mckain fue influenciado por el alemán Joseph Beuys que en 1974 desde Düsseldorf a Nueva York. Al llegar al aeropuerto Kennedy, Beuys se envolvió de la cabeza a los pies en una manta de fieltro, fue llevado en ambulancia a la galería, , una vez allí fue colocado en un espacio que compartió, durante tres días, con un coyote salvaje, separado de los espectadores por una acotación de malla metálica mientras Beuys mantenía conversaciones con el animal. Para Beuys representaba la transformación de la ideología en la idea de la libertad y proclamaba que el artista, no tiene porque ser necesariamente entendido ni lo necesita.


Beuys

Confundido? , deberías estarlo!

Pese a que nos cuesta entenderlo parece que el arte conceptual cada vez está más aceptado por los artistas. Pero, a veces me pregunto si esta corriente vino para quedarse o desaparecerá en la inmensidad de la historia tan rápido como llegó.

En la escultura social, se intenta cambiar la política y la sociedad.
 Aquí es donde los artistas conceptuales toman un discurso más directo que envuelve muchos ámbitos, objetos, palabras y cuerpos.

Y es en los 70s cuando los artistas encuentran un nuevo medio que explotar en el video-arte, grabarse a si mismos.

Por ejemplo el artista Chris Burden, se puso en los límites en el nombre del arte, maltratándose, disparándose, electrocutándose, poniéndose a la disposición del espectador, quien podía hacerle daño. Sus obras son perturbadoras, pero a la vez no puedes dejar de mirar mientras sufre. Y es que sus obras van sobre la gente, de como la humanidad va poco a poco insensibilizándose.


Chris Burden

Crhistian Javkoski es un artista alemán, que ha estado los últimos 20 años haciendo televisión de una forma poco ortodoxa, usando el humor y la tv para plamtear preguntas profundas.

En 100 años desde Duchamp hizo brotar el arte conceptual hasta hoy en día, podemos decir que los artistas conceptuales actuales se ha renovado mucho, nos hacen amar, nos hacen reír, pensar y redefinir el concepto que teníamos del arte. Y sobre todo intentan convertir el mundo en un lugar más impredecible e imaginativo. 

Pero realmente para entender como el arte conceptual ha calado en el mundo de hoy, debemos profundizar en la frontera final.


Katie Paterson es una de las artistas  talentosas más excitantes de nuestra generación y desde hace unos años ha estado creciendo como nadie en el arte conceptual lo ha hecho antes. La artista con sede en Berlín ha desarrollado una investigación en colaboración con las principales  agencias espaciales internacionales, incluyendo bio-químicos, astrónomos, arbolistas y arquitectos. Sus obras a menudo abarcan milenios de tiempo, tanto en el pasado como en el futuro. Los resultados se manifiestan como instalaciones monumentales u objetos sin pretensiones, sutiles y elegantes.


Katie Paterson

Analizando la história del arte Conceptual hasta hoy, y pese a que siempre tengo la sensación y la duda de que me están tomando el pelo, quizás si que pueda llegar a un entendimiento, podríamos llegar a la conclusión de que, en el arte conceptual, la idea es lo más importante porque el Arte sin ideas es sólo un objeto de decoración.


Jordi Machí, basado en “Who´s afraid of Conceptual Art de la BBC”