Hoy inauguramos More Than Art!


A partir de hoy día 9 de agosto de 2018 a las 19:30h, Madrid acoge “More tan Art”, un evento de arte contemporáneo que tendrá lugar en un lugar históricamente privilegiado y lleno de encanto pictórico, nada menos que en el lugar donde estuvo la residencia del gran pintor español Diego Velázquez.  Y es que entrar a la Appa Art Gallery y saber que en sus recovecos llenos de arte una vez pintó el máximo exponente de la pintura española y el maestro universal Diego Velázquez te embriaga de magia. 

El evento organizado por Chus Belinchón y la Appa Art Gallery contará con una muestra colectiva de artistas en la que me incluyo, tanto consolidados como emergentes que van desde el street-art al collage, el arte digital en 3D o la pintura realista contemporánea.





Desde el 9 hasta el 31 de agosto de duración, los/as artistas participaremos en actividades como masterclass y conferencias, el mismo día de la inauguración incluiremos una fiesta con música y un espectáculo de pintura en directo con “The Apollo Walls”.

Además concretamente el día 30 de agosto daré una conferencia sobre mi experiencia y lucha frente al hecho de vivir del arte. Algo bastante nuevo para mí, pero algo ante lo que tarde o temprano tenía que enfrentarme.









Espectáculo en directo
“THE APOLLO WALLS”.
Son un equipo formado por un fotógrafo y un muralista. Ellos realizan street
art, pegando fotos de grandes dimensiones en muros que después pintan
con sprays. Crean obras muy llamativas y verlos pintar en directo es mucho
más visual que usar cualquier otro tipo de técnica. Su idea es fotografiar a un
personaje público y pintarlo con temática libre. Pueden crear en una jornada

de un mural hasta de 10 metros, gracias a su técnica.


Cargado de buena música y buen ambiente desde las
19:30 horas hasta el cierre. Participan:
Emma Melikyan cantante, bailarina y mc nacida en Armenia, residente en
Madrid. Sus orígenes, sus viajes y las cintas en casette de artistas como
Michael Jackson fueron su inspiración para iniciar su carrera como artista.
Atraida por la cultura Hip Hop, Emma se sumerge en el mundo de la
música y de la danza. Ha estado en constante movimiento desde entonces,
colaborando con artistas nacionales e internacionales. Presentará parte de
un trabajo ecléctico, finalizado en el 2017 y temas en los que está
trabajando actualmente. Con ritmos urbanos y letras con mensaje, Emma
ofrece un directo que fusiona el rap, el rnb, el soul y el funk, enfocado a
despertar las emociones del público.
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Ella Váldez y Gabriel Martín, dos artistas de origen peruano, coincidieron
en su etapa de formación a manos de Jesús Yanes. Desde entonces hacen
colaboraciones de diversos estilos. Ella desde su lado más jazz, soul y blues
y Gabriel desde el lado más íntimo y cantautor. Presentarán en directo
temas versionados en acústico.
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I.García, productor musical y técnico superior de sonido, comenzó su etapa
musical a finales de los 90, habiendo trabajado en diferentes proyectos
como productor, mc y técnico de sonido. En la actualidad, está trabajando
en el último proyecto de Emma Melikyan, y colabora con distintas
empresas como Dj y asistente de sonido.

Jordi Machí.
Aquí os dejo un artículo basado en el documental de la BBC emitido en 2017, ”Who's Afraid of Conceptual Art? ” En el que intentaremos responder a unas cuantas atormentadoras preguntas.

Qué es el arte conceptual? Porqué los artistas crean estas obras? Que nos estamos perdiendo que nos hace No entender este tipo de arte que encontramos en las mayores ferias de arte y en muchas de las galerías actuales? Bienvenidos al misterioso mundo del arte conceptual.


En mi lucha interior frente el arte actual en todas sus formas, voy a intentar entender lo que significa el que quizás es el arte que más polémica y más rechazo produce, el arte conceptual y aclarar un estilo que no es apto para todas las mentes. Quien sabe si quizás a través de sus artistas más representativos, podremos cambiar nuestra idea sobre el arte conceptual.

Antes del siglo 20 existían objetos y por otra parte existían las obras de arte. Algunos de los objetos rutinarios eran funcionales e incluso algunos no eran ni siquiera bellos. En cambio las obras de arte eran las producidas por artistas y generalmente eran muy bonitas y también muy caras. Una distinción que no era difícil de entender y con la que la gente se sentía a gusto.

Pero a partir de esta época, el sistema del arte empezó a desmoronarse y los objetos empezaron a parecerse cada vez más a obras de artes y viceversa, las obras de arte se volvieron más parecidas a los objetos hasta el punto que se volvió cada vez más potencialmente difícil distinguirlos entre ellos. Todo esto confundió a mucha gente y enfadó a muchos otros. Estábamos ante la primeros signos del arte conceptual.


Y el primer gran innovador en este campo fue el artista Marcel Duchamp quién hizo tambalear los cimientos del arte moderno. En los años 60s se empezó a usar objetos cotidianos que más tarde eran rehechos y convertidos en piezas de arte. Duchamp decía “El gusto es el peor enemigo del arte” Su intención era introducir humor y hacer un arte que no le gustara a todo el mundo intencionadamente ofreciendo un revolucionario punto de vista; “No todo es arte pero todo puede ser arte porque los objetos no importan lo que importa es el concepto y la idea”. Y aunque Duchamp pronto abandonó el gremio hizo explotar el concepto que se tenía hasta el momento sobre el arte. Era el nacimiento del arte conceptual.


Duchamp

Siguió sus pasos el destacado artista conceptual Manzoni quién a principios de los años 60 firmaba cuerpos de gente con la intención de convertirlos en obras de arte, hinchaba globos que posteriormente exponía en galerías y creaba absurdos objetos. Pero quizás su obra más recordada fue sin duda  “la mierda de artista en una lata” que llegó a costar 200 veces más caro que su mismo peso en oro. Claramente Manzoni quería provocar y sin duda estaba burlándose de nosotros, de los museos , de los críticos de arte. Pero pensándolo detenidamente, estamos ante un concepto extremadamente inteligente, porque ni siquiera sabemos que hay a ciencia cierta lo que hay dentro de la lata, podría ser cualquier cosa,  nunca jamás se abrirá ya que perdería todo su valor, lo que contiene es una idea. Manzoni murió de sida en el 91, pero sus objetos quedaron para siempre y es recordado como uno de los cuatro padres del arte conceptual.


Manzonni

Otro es el artista Martin Creed que conviertía los objetos en arte, montaba galerías absolutamente vacías con tan sólo una luz y por supuesto también usaba excrementos. “El arte conceptual es divertido, es original, no importa  el resultado si de lo que hablamos es arte entonces ya no apesta.” Personalmente me sigue confundiendo esta idea.



Martin Creed

En 1897 El artista y humorista Alfonso Aley, expuso unos cuadros monocromáticos simplemente con un color plano que visualmente no significan nada, hasta que lees su título;
 Un cuadro blanco “Primera comunión  de niñas en una tormenta de nieve”, un cuadro rojo “Cardenales apopléjicos cosechando tomates en la orilla del mar rojo” Y un cuadro negro “Negros peleando en una bodega por la noche”. Cuando parece que está tomándonos el pelo en realidad lo que realmente quiere exponer es que a veces las palabras son más importantes que la imagen.


Alonso Aley

Cuando hablamos de arte conceptual, hablamos de una revolucionaria atmósfera en la cual los objetos decorativos se vuelven cada vez más y más arte, cambiando así la descripción del arte.

Una pieza polémica de 1973 del artista Michael Craig Martin puso a prueba nuestro entendimiento al exponer un vaso de agua y lo tituló “ Un roble”, creando un filosófico dialecto entre el artista que pretende confundir al público.
Nos dice que ya no es un vaso de agua sino un roble,  un vació semántico que confunde al espectador en mi opinión.


Michael Craig Martin

Craig coincide con Duchamp i Manzoni en que cuando hablamos de arte conceptual lo que importa es el significado.
La idea se convierte en una maquina que hace arte, un arte que emocione al espectador. El cerebro después del corazón.

La artista Mary Kelly y su obra "Post-Partem proyect” de 1973 y 1979,  convierte el arte conceptual en piezas intimas. En su obra trabaja sobre la figura de su hijo. Provocó un escándalo cuando expuso un pañal sucio a modo de lienzo pero se convirtió en una obra referencia del arte feminista. Un trabajo documentativo en la que Mary Kelly recoge eventos de la vida y crecimiento de su hijo, así como sus preocupaciones como madre en la relación con este..  Se trata de un auto-entendimiento creado para ella misma, no es una obra solo para ver, es después de leerlo y entenderlo, cuando encuentras un trabajo poderoso , inteligente, y emocionante. 


Mary Kelly. Post-partem Proyect

Hoy los artistas de arte conceptual siguen intentando usar palabras de una manera nueva, innovadora y fresca. Uno de ellos es Robert Moncomun que saca a pasear sus textos fuera de la galería introduciéndolos en el mundo exterior como piezas luminosas. Llama la atención de la gente y lanzando románticos y apolíticos mensajes a veces muy profundos con la intención de emocionar. Moncomun consigue conmover y sus mensajes se han hecho muy virales.   “Las personas que amas se convierten en fantasmas dentro de ti y gracias a esto las mantienes vivas” Nos invita a ver que los fantasma pueden ser algo positivo, Este mensaje tuvo mucho impacto e incluso algunas personas se lo tatuaron. 


Moncomun

Si el objetivo del arte es tocar las emociones de la gente, llegar al corazón, invitarnos a pararnos, mirar y reflexionar, la función estará lograda en ocasiones por este estilo.. Quizás en ciertos aspectos sí podamos cambiar nuestra mente ante el arte conceptual.

Pero que pasa con el Performance,  probablemente mucho menos entendido por la mayoría. Pero sin duda el body-art tiene un largo recorrido en la historia de la humanidad pese a que todo el potencial del cuerpo todavía está por explotar. El arte trata sobre conmover, y una forma de hacerlo es a través del cuerpo o en escenarios.

Pongamos el ejemplo de Yoko Ono, quién se sentó en un museo mientras los espectadores entraban y le cortaban partes de su vestimenta. 


Yoko Ono

Y en Londres, Bruce Mckain intenta redefinir el concepto de escultura: objetos sin concepto y concepto sin objetos, la escultura social. Y es que a veces el artista se convierte en el propio arte. Mckain fue influenciado por el alemán Joseph Beuys que en 1974 desde Düsseldorf a Nueva York. Al llegar al aeropuerto Kennedy, Beuys se envolvió de la cabeza a los pies en una manta de fieltro, fue llevado en ambulancia a la galería, , una vez allí fue colocado en un espacio que compartió, durante tres días, con un coyote salvaje, separado de los espectadores por una acotación de malla metálica mientras Beuys mantenía conversaciones con el animal. Para Beuys representaba la transformación de la ideología en la idea de la libertad y proclamaba que el artista, no tiene porque ser necesariamente entendido ni lo necesita.


Beuys

Confundido? , deberías estarlo!

Pese a que nos cuesta entenderlo parece que el arte conceptual cada vez está más aceptado por los artistas. Pero, a veces me pregunto si esta corriente vino para quedarse o desaparecerá en la inmensidad de la historia tan rápido como llegó.

En la escultura social, se intenta cambiar la política y la sociedad.
 Aquí es donde los artistas conceptuales toman un discurso más directo que envuelve muchos ámbitos, objetos, palabras y cuerpos.

Y es en los 70s cuando los artistas encuentran un nuevo medio que explotar en el video-arte, grabarse a si mismos.

Por ejemplo el artista Chris Burden, se puso en los límites en el nombre del arte, maltratándose, disparándose, electrocutándose, poniéndose a la disposición del espectador, quien podía hacerle daño. Sus obras son perturbadoras, pero a la vez no puedes dejar de mirar mientras sufre. Y es que sus obras van sobre la gente, de como la humanidad va poco a poco insensibilizándose.


Chris Burden

Crhistian Javkoski es un artista alemán, que ha estado los últimos 20 años haciendo televisión de una forma poco ortodoxa, usando el humor y la tv para plamtear preguntas profundas.

En 100 años desde Duchamp hizo brotar el arte conceptual hasta hoy en día, podemos decir que los artistas conceptuales actuales se ha renovado mucho, nos hacen amar, nos hacen reír, pensar y redefinir el concepto que teníamos del arte. Y sobre todo intentan convertir el mundo en un lugar más impredecible e imaginativo. 

Pero realmente para entender como el arte conceptual ha calado en el mundo de hoy, debemos profundizar en la frontera final.


Katie Paterson es una de las artistas  talentosas más excitantes de nuestra generación y desde hace unos años ha estado creciendo como nadie en el arte conceptual lo ha hecho antes. La artista con sede en Berlín ha desarrollado una investigación en colaboración con las principales  agencias espaciales internacionales, incluyendo bio-químicos, astrónomos, arbolistas y arquitectos. Sus obras a menudo abarcan milenios de tiempo, tanto en el pasado como en el futuro. Los resultados se manifiestan como instalaciones monumentales u objetos sin pretensiones, sutiles y elegantes.


Katie Paterson

Analizando la história del arte Conceptual hasta hoy, y pese a que siempre tengo la sensación y la duda de que me están tomando el pelo, quizás si que pueda llegar a un entendimiento, podríamos llegar a la conclusión de que, en el arte conceptual, la idea es lo más importante porque el Arte sin ideas es sólo un objeto de decoración.


Jordi Machí, basado en “Who´s afraid of Conceptual Art de la BBC”


Celebrant els seus 40 anys d'aniversari, la Falla plaça del Cid d'Algemesí publica aquest espectacular llibre per a la commemoració en el que recull també textos i obres d'artistes de la zona.

Aquest és l'article que vaig escriure per a la publicació.

Moltes gràcies i Bones Falles!

Art a la graella

Comença a entreveure's l'entrada de la primavera i estructures de fusta emergeixen pels carrers, tot senyal del que està a punt d'esclatar a les nostres ciutats.


 Com a valencià, em resulta quasi impossible recordar la primera vegada que vaig veure un d'aquests monuments efímers, sempre ha format part de la meua vida des que tinc ús de raó i fins i tot així, fins i tot sense pertànyer a cap falla, res esmorteix l'emoció que em produeix gaudir d'un d'aquests extraordinaris monuments fallers. Recorde ser encara molt menut i haver d'alçar el cap quasi al límit del desnucament per a poder arribar a la fi d'aquestes magnificents obres d'art que em feien transportar-me a un món d'éssers exagerats, de colors i formes que m'introduïen cap a una vida de porexpan mentre decidia amb els meus cosins, quin dels ninots m'enduria a casa indultant-lo de la graella i fent-lo perdurar eternament.




És quasi inaudit com ha evolucionat aquesta festa que començà sent un homenatge dels fusters cap al seu patró, Sant Josep, on cremaven la fusta que els havia sobrat durant l'hivern fins a arribar a obres d'art monumentals d'un treball i d'una qualitat artística de tal supèrbia que qualsevol personatge del renaixement cauria d'esquenes enfront d'aquesta grandiositat.



Personalment sempre he tingut una gran facilitat per a enlairar-me lluny de la realitat; A la infància jo era un xiquet prou introvertit que generalment solia evadir-me de tot el que passava al meu voltant, aprofitant qualsevol moment o qualsevol aula del col·legi que no captivava suficientment la meua atenció per a deixar el meu cos mentre la meua ment s'enjoiava viatjant i vivint mil i una aventures. Els dibuixos animats que veia als meus primers anys i que potenciaven les meues evasions, i també, el fet d'haver viscut aquestes obres falleres i parodiants de la vida real, han sigut transcendentals a la meua formació com a l'artista adult en què m'he convertit.

L'art és un mig que ens permet abstraure'ns d'una vida més dura, més seria i avorrida cap a un altre nivell on tot és menys important però més transcendental, més amable i més atraient. Els monuments fallers ho aconsegueixen d'una forma sublime sense l'ego de l'art etern, ja siga per la bellesa de les obres com a través de la paròdia.


Personalment sempre he tingut una gran facilitat per a enlairar-me lluny de la realitat; A la infància jo era un xiquet prou introvertit que generalment solia evadir-me de tot el que passava al meu voltant, aprofitant qualsevol moment o qualsevol aula del col·legi que no captivava suficientment la meua atenció per a deixar el meu cos mentre la meua ment s'enjoiava viatjant i vivint mil i una aventures. Els dibuixos animats que veia als meus primers anys i que potenciaven les meues evasions, i també, el fet d'haver viscut aquestes obres falleres i parodiants de la vida real, han sigut transcendentals a la meua formació com a l'artista adult en què m'he convertit.
L'art és un mig que ens permet abstraure'ns d'una vida més dura, més seria i avorrida cap a un altre nivell on tot és menys important però més transcendental, més amable i més atraient. Els monuments fallers ho aconsegueixen d'una forma sublime sense l'ego de l'art etern, ja siga per la bellesa de les obres com a través de la paròdia.


Professionalment he viscut moltes etapes a la meua vida, he crescut com a artista tant treballant a Estat Units per a celebritats de Hollywood com al Líban o Brasil on he viscut la humilitat i generositat més extrema. La curiositat m'ha portat a viatjar per cultures molt diferents de la meua, el que m'ha permés impregnar-me de moltíssims tipus d'expressions d'art i també de diferents tipus de gent, obtenint sempre el mateix missatge; Llevant les diferències culturals i religioses, tots som altament similars, amb les mateixes inquietuds i amb un llenguatge comú, l'art. L'art és universal, és per això que les falles, més enllà de què t'agraden els petards o no, tant si formes part de la "festa" o no, artísticament parlen amb un llenguatge capaç de captivar a qualsevol individu i són un patrimoni propi digne d'admirar per tots.




Les obres desapareixeran envoltades de foc, com si hagués sigut un somni, una brusca tornada a la realitat després de dies contemplant aquella apassionada forma de veure la vida. No obstant això, la màgia de què com cada any tornaràs a admirar aquestes obres d'art, mai desapareixerà.

Jordi Machí

Jordi Machí