El blog de..Arte.. Jordi Machi

Una de las tendencias más actuales y fascinantes en el mundo del arte es el arte inmersivo, que consiste en utilizar la tecnología digital para crear entornos envolventes que estimulan los sentidos del espectador y le hacen sentir parte de la obra. El arte inmersivo rompe la barrera entre el observador y el objeto artístico, y propone una experiencia interactiva, participativa y multisensorial.

El arte inmersivo se basa en el uso de proyecciones de gran formato, realidad virtual, realidad aumentada, sonido envolvente, iluminación dinámica y otros recursos que transforman el espacio físico en un escenario mágico y sorprendente. El arte inmersivo permite al espectador contemplar las obras de los grandes maestros de la historia del arte desde una perspectiva diferente, acercándose a los detalles, los colores, las texturas y los movimientos de las pinturas. También permite al espectador descubrir nuevos mundos imaginarios, inspirados en la literatura, el cine o la música.

El arte inmersivo es una forma de democratizar el acceso a la cultura y de acercar el arte a todos los públicos, especialmente a los más jóvenes, que pueden disfrutar de una experiencia lúdica y educativa al mismo tiempo. El arte inmersivo también es una forma de innovar y de generar nuevos discursos artísticos, que plantean cuestiones sobre la identidad, la memoria, la naturaleza o el futuro.

En Madrid hay varias exposiciones inmersivas que se pueden visitar actualmente o que se inaugurarán próximamente. Estas son algunas de las más destacadas:

• Desafío Dalí: una exposición que invita al espectador a sumergirse en el universo surrealista del genio catalán, tanto en sus obras como en sus obsesiones. La exposición cuenta con más de 2.000 m2 que incluyen realidad virtual, 3D, realidad aumentada, audiovisuales, micro-mapping y la mayor exposición de cuadros del artista en formato digital del mundo. La exposición se puede ver en IFEMA MADRID hasta el 5 de marzo de 20231.
• Imagine Picasso: una exposición que ofrece una visión única e innovadora de la obra del maestro malagueño, a través de proyecciones gigantes que cubren las paredes y el suelo del espacio expositivo. La exposición permite al espectador apreciar las diferentes etapas creativas de Picasso, desde el cubismo hasta el expresionismo. La exposición se puede ver en IFEMA MADRID hasta el 23 de junio de 20232.
• Wu Tsang: De ballenas: una instalación artística basada en la adaptación cinematográfica de la novela Moby Dick, de Herman Melville. El proyecto fue presentado en la Bienal de Venecia 2022 como parte de la exposición internacional The Milk of Dreams, realizada en entornos oceánicos psicodélicos generados a partir de tecnologías de realidad extendida. La instalación se puede ver en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza hasta el 11 de junio de 20233.
• Serpenti by Refik Anadol: una exposición que celebra el símbolo de la serpiente como talismán o elemento ornamental a lo largo de la historia. La exposición muestra una selección de relojes de pulsera flexibles inspirados en este animal
  
  Jordi Machí

Lo primero que debemos hacer es aceptar que somos humanos y, por lo tanto, tenemos días en los que simplemente no nos sentimos motivados. A veces, la vagancia es nuestra peor enemiga, pero también puede ser una señal de que necesitamos descansar y recargar nuestras baterías. Por eso, mi primer consejo es: no te castigues por sentirte perezoso de vez en cuando. Todos lo hacemos, incluso los grandes artistas lo han hecho.

Pero, por supuesto, no podemos permitir que la vagancia se apodere de nosotros por completo. Si nos dejamos llevar por la falta de motivación, es posible que pasemos días, semanas o incluso meses sin hacer nada creativo. Y eso no es bueno para nuestro espíritu artístico.

Entonces, ¿cómo luchar contra la vagancia y encontrar la inspiración? Aquí hay algunos consejos que han funcionado para mí:

1. Establece un horario: A veces, la vagancia se apodera de nosotros porque no tenemos un plan claro para nuestro día. Establece un horario para tus actividades creativas y asegúrate de seguirlo. Puede ser un horario flexible, pero tener una estructura en tu día te ayudará a mantenerte motivado.
2. Rodéate de inspiración: Si estás buscando inspiración, asegúrate de tener cosas a tu alrededor que te inspiren. Puede ser un libro de arte, una película, una exposición de arte, un paseo por la naturaleza, lo que sea que te ayude a despertar tu creatividad.
3. Haz ejercicio: El ejercicio es una excelente manera de liberar la tensión y aumentar tus niveles de energía. Asegúrate de hacer ejercicio regularmente, incluso si es solo una caminata rápida por el parque.
4. Desconéctate: A veces, la falta de inspiración puede ser el resultado de pasar demasiado tiempo en las redes sociales o frente a una pantalla. Desconéctate de la tecnología y sal a disfrutar del mundo real.
5. Prueba algo nuevo: Si te sientes estancado en tu arte, prueba algo nuevo. Aprende una técnica diferente, experimenta con nuevos materiales o haz algo que nunca hayas hecho antes. A veces, salir de tu zona de confort es justo lo que necesitas para encontrar la inspiración.

Espero que estos consejos te ayuden a luchar contra la vagancia y encontrar la inspiración que necesitas para seguir creando. Recuerda, todos tenemos días malos, pero lo importante es no dejar que nos detengan en nuestro camino artístico. ¡Ahora, a crear!

Jordi Machí

Pero el proceso de crear una colección de arte es un trabajo arduo y costoso que conlleva muchos gastos en materiales, costos de envío y tiempo. Además, los artistas tenemos que dedicar mucho esfuerzo para promocionar nuestro trabajo, encontrar lugares para exponer y atraer a compradores interesados en adquirir nuestra obra. Entonces, ¿por qué deberíamos pagar para exhibir nuestro trabajo?

Es cierto que, como artistas, buscamos exposición y reconocimiento, pero esto no debería significar que tengamos que pagar por ello. Las galerías que cobran por el espacio de exposición están tratando de obtener ganancias sin tener en cuenta el valor real del trabajo del artista. Además, al pagar por exponer, el artista asume todo el riesgo financiero, sin garantía de que venderá alguna de sus obras.

No solo es injusto, sino que también es un indicador de que la galería no tiene suficiente confianza en la calidad de nuestro trabajo y que solo está interesada en obtener beneficios a tu costa. Es como si dijeran "nos encanta tu obra, te hemos elegido, te hemos elegido... pero para PAGAR por mostrar tu arte!" JA!.

La oferta de una galería que cobra por la exposición también puede ser una señal de que la galería no tiene una sólida red de contactos y clientes interesados en adquirir arte, lo que significa que el artista tendrá que hacer todo el trabajo para atraer a compradores. NO hay un interés real en el trabajo del artista, sino simplemente una preocupación por el beneficio económico.

Como artista, es importante evaluar cuidadosamente cualquier oferta de exposición antes de aceptarla. Si una galería quiere cobrar por el espacio de exhibición, deberíamos preguntarnos por qué. ¿Es porque la galería no tiene suficiente confianza en la calidad de nuestro trabajo? ¿O es simplemente porque están buscando ganancias a nuestra costa?

Como artistas, debemos valorar nuestro trabajo y buscar oportunidades que nos permitan exponer nuestra obra sin tener que pagar por ello. Hay muchas galerías que ofrecen exposiciones sin costo para el artista, y es importante buscar estas oportunidades y aprovecharlas.

Debo decir que estoy en contra de la idea de pagar por la exposición de mi obra. La creación de una colección de arte es un trabajo arduo y costoso que merece ser valorado. No deberíamos tener que pagar para mostrar nuestro trabajo, y debemos buscar oportunidades que nos permitan exhibir nuestra obra sin tener que pagar por ello. Las galerías que buscan beneficios a costa de los artistas no merecen nuestra atención ni nuestro trabajo.

Jordi Machí

La exposición presenta obras que abordan tanto la amenaza del conflicto armado como la psicodelia como vía de acceso a estados ampliados de la conciencia. La exposición también presenta obras que reflexionan sobre el universo digital, que se ha convertido en una fuente de inspiración para muchos artistas contemporáneos.

Uno de los artistas destacados en la exposición es el japonés Keiichi Tanaami, que a sus 86 años, sigue activo en la creación de obras que combinan referencias occidentales y orientales. El cubano Dagoberto Rodríguez, cofundador del colectivo Los Carpinteros, presenta una serie de esculturas de arcilla que representan los proyectiles caseros improvisados por los ciudadanos de Alepo (Siria) con bombonas de butano. También destaca la obra titulada "Pyramid" del artista canadiense David Altmejd, una escultura que combina elementos orgánicos y geométricos en una pieza que evoca el concepto de lo sublime.

Creo que la exposición es una muestra interesante de la forma en que los artistas contemporáneos siguen explorando temas fundamentales en la historia del arte. La selección de obras presenta una gran variedad de técnicas y enfoques, lo que permite a los visitantes experimentar diferentes formas de expresión artística. Además, la exposición aborda temas que son relevantes en los tiempos actuales, como la guerra y la falta de verdades. En general, creo que la exposición es una muestra que no debe perderse cualquier amante del arte contemporáneo.

Jordi Machí

ESPACIO SOLO MADRID

Pl. de la Independencia, 5, 28001 Madrid

Como artista, tengo sentimientos encontrados sobre esta noticia. Por un lado entiendo que la tecnología puede ser una herramienta útil para facilitar nuestro trabajo y reducir el desperdicio de materiales, energía y tiempo de producción. Por otro lado, el hecho de que la creatividad o el talento pueda ser reemplazada por un software es aterrador. Dónde quedarán los artesanos que crean con sus habilidades todas sus obras?

El arte es una expresión de la creatividad humana, y si la tecnología es capaz de reemplazar a los artistas, ¿qué futuro les espera a los creadores de arte? ¿Cómo podemos asegurarnos de que el arte no pierda su alma y se convierta en un mero producto de la tecnología?

Aunque la tecnología puede ser una herramienta útil para los artistas, es importante que no se convierta en la única forma de crear arte. Debemos seguir fomentando la creatividad humana y la expresión personal en el arte. Debemos recordar que el arte es una forma de comunicación y expresión humana, y no solo una cuestión de producción de esculturas o pinturas.

Aunque la tecnología puede ser una herramienta útil para los artistas, no debemos dejar que reemplace por completo la creatividad humana en el arte. Como artistas, debemos seguir creando y expresándonos de manera auténtica y personal, sin dejar que la tecnología nos controle por completo.

Jordi Machí

Cada vez son más las personas que se interesan por el arte contemporáneo, tanto en el ámbito nacional como internacional. Las ferias de arte contemporáneo han crecido exponencialmente en los últimos años, y esto es una señal clara de que hay un gran interés por este tipo de arte.

Pero, ¿por qué está sucediendo esto? En mi opinión, creo que los coleccionistas están buscando algo más que simplemente una bonita pieza de arte. Quieren algo que tenga un significado más profundo, algo que refleje el mundo en el que vivimos hoy en día.

Las obras de arte contemporáneas suelen tener un mensaje social o político, o tratan temas relacionados con la tecnología y la ciencia. Y eso es algo que resuena con muchas personas hoy en día, especialmente entre los jóvenes, esos “milenial” crecidos y con poder adquisitivo que predominan en partes del mundo como la creciente Asia.

Además, creo que la facilidad de acceso al arte contemporáneo gracias a las redes sociales y a internet también ha contribuido a esta creciente demanda. La gente puede ver el arte contemporáneo desde cualquier lugar del mundo, y esto ha generado una mayor curiosidad e interés por este tipo de arte.

Creo que la creciente demanda de arte contemporáneo es una señal de que el mundo del arte está cambiando y evolucionando. Los coleccionistas buscan algo más que simplemente una bonita pieza de arte, quieren algo con un significado más profundo y que refleje el mundo en el que vivimos hoy en día. Y como artista, estoy encantado de ver cómo mi trabajo y el de mis colegas está siendo cada vez más valorado y apreciado.

Jordi Machí

Hay algunas IA generadoras de arte digital muy populares en la actualidad, como la conocida GAN (Generative Adversarial Network) que es capaz de gener

También están en el mercado otras herramientas como DeepDream y StyleGAN, que permiten a los artistas digitales crear piezas sorprendentes y fascinantes.

Aunque estas tecnologías son impresionantes y ofrecen un gran potencial para la creatividad y la innovación, no puedo evitar sentir cierta preocupación sobre si algún día los artistas tradicionales como yo nos quedaremos sin trabajo. 

¿Llegará un momento en que las creaciones artísticas digitales sean tan avanzadas que ya no sean necesarios los artistas tradicionales?

Es cierto que la inteligencia artificial puede crear imágenes y videos de una calidad sorprendente, pero creo que hay un aspecto fundamental de la creación artística que se pierde en la automatización: la inspiración. 

La inspiración es algo que sólo puede surgir de la mente y la experiencia humanas, y aunque la IA puede producir imágenes y videos increíbles, no tiene la capacidad de sentir y transmitir emociones de la misma manera que lo hacen los artistas humanos. ¿es capaz de tener la misma inspiración y emotividad que un ser humano? ¿Puede sentir las emociones que el artista quiere transmitir a través de su obra? Hay un conflicto entre la precisión de la IA y la pasión y emoción del arte humano.

Por otro lado, también creo que la IA tiene un papel importante que jugar en el futuro del arte. Las herramientas digitales pueden ser utilizadas para complementar y mejorar el trabajo de los artistas, en lugar de reemplazarlo por completo. 

Además, la IA también puede permitir a los artistas experimentar con nuevas formas de arte y explorar nuevas ideas y conceptos que de otra manera serían inaccesibles.

Creo que la inteligencia artificial y el arte humano pueden coexistir y complementarse mutuamente. La IA puede ser una herramienta poderosa para la creatividad y la innovación, pero nunca podrá reemplazar la emoción y la conexión humana que se encuentra en el arte tradicional. 

El futuro del arte será una mezcla de tecnología y humanidad. Al adaptarnos a las nuevas tecnologías y utilizarlas para complementar nuestra creatividad, podemos seguir impulsando el arte hacia nuevos horizontes. Y eso es lo que hace que el futuro del arte sea tan emocionante: la posibilidad de seguir creciendo y experimentando, tanto para los humanos como para la IA.

Jordi Machí

El dibujo al carboncillo es otra técnica popular, especialmente para dibujar retratos y figuras humanas. El carboncillo es un material suave y fácil de difuminar, lo que permite lograr efectos de sombreado y volumen en el dibujo.

En mi opinión, la técnica de dibujo más importante es la observación. La habilidad de observar y analizar el mundo que nos rodea es fundamental para cualquier artista, ya que nos permite capturar la esencia de las cosas y plasmarlas en nuestro trabajo. La práctica regular del dibujo, la observación y el análisis crítico de nuestro trabajo son esenciales para mejorar nuestra técnica y desarrollar nuestro estilo personal.

El dibujo es una habilidad fundamental para cualquier artista, y existen diversas técnicas de dibujo que pueden ser utilizadas para diferentes propósitos. En mi experiencia en la Facultad de Bellas Artes de Valencia, aprendí que la observación es la técnica más importante, y que la práctica regular del dibujo es esencial para mejorar nuestra técnica y desarrollar nuestro estilo personal.

Jordi Machí

Lo primero que necesitarás hacer es conseguir pigmentos de acuarela. Puedes comprarlos en una tienda de arte o en línea. También puedes usar pigmentos naturales, como té, café o jugo de frutas, pero ten en cuenta que pueden ser menos permanentes y no producir los mismos resultados que los pigmentos de acuarela tradicionales. Una vez que tengas tus pigmentos, colócalos en el mortero y tritura hasta que queden finos.

Paso 2: Agrega tu aglutinante

Paso 3: Agrega más agua

Agrega agua destilada poco a poco, mezclando bien después de cada adición, hasta que la pintura tenga la consistencia deseada. Si quieres una pintura más opaca, usa menos agua. Si prefieres una pintura más transparente, agrega más agua.

Paso 4: Almacena tu pintura

Transfiere tu pintura a un tubo de plástico con tapa y etiqueta con el nombre del color. ¡Listo! Ahora tienes tu propia pintura de acuarela casera.

Paso 5: Usa tu pintura

Utiliza tu pintura de acuarela recién hecha para crear tus propias obras de arte. La acuarela es una técnica muy versátil que te permite crear efectos únicos y sorprendentes. Experimenta con diferentes técnicas, como mojar el papel antes de pintar o aplicar sal para crear texturas interesantes. ¡Diviértete y deja volar tu imaginación!

Hacer tus propias pinturas de acuarela en casa es una forma fácil y barata de explorar esta técnica. Solo necesitas pigmentos, un aglutinante, agua y un recipiente para mezclar. Experimenta con diferentes colores y técnicas para crear tus propias obras maestras. ¡No tengas miedo de jugar y divertirte con la acuarela!