Bellas Artes: una carrera incompleta y desactualizada

By Jordi Machí:

Hace ya tantos años que terminé la carrera de Bellas artes en la facultad San Carles de Valencia que no quiero ni nombrarlo, y lo cierto es que me lo pasé en grande además de todos los buenos amigos que hice.. vaya recuerdos!. Pero escribo este artículo porque he sentido falta de algunas asignaturas y he detectado ciertas carencias con respecto a la preparación del alumno al mundo laboral, además es algo que he hablado con otros compañeros y que todos coincidimos.

La carrera de bellas artes es una de las más antiguas y prestigiosas del mundo académico, que forma a profesionales capaces de expresar su creatividad y sensibilidad a través de diferentes medios artísticos. Sin embargo, ¿qué asignaturas son indispensables para preparar a los estudiantes de bellas artes para el mundo laboral y para los retos del futuro? En este artículo, voy a analizar dos asignaturas que creo que deberían incluirse en el plan de estudios de bellas artes: una que enseñe los procesos y los pasos para vivir del arte, y otra mirando al futuro que introduzca la inteligencia artificial relacionada con el arte ( pese a que muchos me quieras comer después de decir esto).

La primera asignatura que propongo es una que prepare a los estudiantes de bellas artes para el mercado del arte, que es muy competitivo y exigente. Alarmantemente no existe ninguna así. Esta asignatura debería enseñar aspectos como la gestión de proyectos artísticos, la búsqueda de financiación, la promoción y difusión de la obra, la protección de los derechos de autor, la negociación con galerías y clientes, la participación en concursos y exposiciones, la creación de un portfolio y una página web, etc. Estos conocimientos son fundamentales para que los artistas puedan desarrollar su carrera profesional con éxito y autonomía, y para que puedan adaptarse a las demandas y oportunidades del mercado.

La segunda asignatura que sugiero es una que introduzca la inteligencia artificial relacionada con el arte, que es una de las tendencias más innovadoras y revolucionarias del ámbito artístico. La inteligencia artificial es la capacidad de las máquinas de realizar tareas que normalmente requieren inteligencia humana, como el aprendizaje, el razonamiento, la percepción o la creatividad. La inteligencia artificial se puede aplicar al arte de diversas formas, como la generación de obras originales, la asistencia al proceso creativo, la interpretación y análisis de obras, la restauración y conservación de patrimonio, la personalización y recomendación de contenidos, etc. Estos usos plantean cuestiones éticas, estéticas y culturales que los artistas deben conocer y reflexionar, así como desafíos técnicos y metodológicos que los artistas deben dominar y explorar.

Estas dos asignaturas que he propuesto son, en mi opinión, indispensables para que los estudiantes de bellas artes puedan formarse de manera integral y actualizada, y para que puedan enfrentarse al mundo laboral y al futuro con confianza y competencia. La carrera de bellas artes debe adaptarse a los cambios y las necesidades de la sociedad, y ofrecer a los estudiantes las herramientas y los conocimientos necesarios para que puedan expresar su arte y vivir de él.

El arte y la incertidumbre económica

Ser artista es una vocación, una pasión, una forma de expresarse y de comunicar al mundo lo que se siente, lo que se piensa, lo que se sueña. Ser artista es también un reto, una aventura, una búsqueda constante de la creatividad, la originalidad, la belleza. Pero ser artista, en España y en muchos otros países, es también una condena, una lucha, una supervivencia. Ser artista es sinónimo de precariedad, de inestabilidad, de incertidumbre.

Los artistas son trabajadores autónomos que deben pagar cada mes una cuota fija a la Seguridad Social y un porcentaje de sus ingresos al IRPF. Estos impuestos son elevados y no se ajustan a la realidad del sector artístico, donde los ingresos son irregulares, estacionales y dependen de muchos factores externos. Los artistas no tienen un salario fijo ni garantizado, sino que dependen de las ventas de sus obras, de las exposiciones, de las subvenciones, de los premios, de los encargos. Muchas veces, estos ingresos no son suficientes para cubrir los gastos básicos de la vida y mucho menos para invertir en materiales, formación o promoción.

Los artistas tampoco tienen derechos laborales ni sociales como los trabajadores por cuenta ajena. No tienen vacaciones pagadas, ni baja por enfermedad o maternidad, ni derecho a paro o a jubilación. Los artistas están desprotegidos ante cualquier contingencia que les impida trabajar o les reduzca sus ingresos. Los artistas viven en una situación de vulnerabilidad y riesgo permanente.

Ante esta situación, muchos artistas optan por buscar soluciones alternativas o ilegales para poder seguir ejerciendo su profesión. Algunos trabajan en negro, sin facturar ni declarar sus ingresos, lo que les expone a multas y sanciones. Otros se dan de alta solo cuando tienen algún trabajo puntual o cuando les conviene fiscalmente, lo que les impide cotizar lo suficiente para acceder a prestaciones o pensiones. Otros combinan el arte con otros trabajos más estables pero menos satisfactorios o acordes con su vocación. Otros abandonan el arte por completo y se dedican a otra cosa.

Estas soluciones no son ideales ni justas para los artistas ni para la sociedad. Los artistas merecen un reconocimiento social y económico por su labor cultural, creativa y educativa. Los artistas contribuyen al desarrollo humano, al enriquecimiento colectivo, a la diversidad y al diálogo. Los artistas son necesarios para una sociedad más libre, más crítica y más feliz.

Por eso, es urgente y necesario cambiar el sistema fiscal y laboral que rige el sector artístico y adaptarlo a sus características y necesidades específicas. Es imprescindible crear un régimen especial para los artistas que contemple unas cuotas e impuestos más bajos y proporcionales a sus ingresos reales, así como unos derechos laborales y sociales acordes con su actividad profesional. Es fundamental apoyar al sector artístico con más recursos públicos, más ayudas directas e indirectas, más incentivos fiscales y más facilidades administrativas. Es vital fomentar el consumo cultural, la educación artística y la valoración social del arte.

Solo así se podrá romper el binomio entre arte y incertidumbre y se podrá garantizar el futuro de los artistas y del arte en nuestro país. Solo así se podrá hacer del arte una profesión digna y sostenible. Solo así se podrá hacer del arte una forma de vida. by Jordi Machí

Musas, musos y muses. PARTE II

 Continuemos con algunas historias más de salseo de artistas y sus fuentes de inspiración, que nos muestran cómo el arte y el amor pueden ir de la mano.

 Un caso muy curioso: el de Gustav Klimt y Emilie Flöge. Klimt fue un pintor austriaco que destacó por su estilo simbolista y erótico, lleno de colores, formas y motivos ornamentales. Emilie Flöge fue una diseñadora de moda y empresaria que creó su propia marca de ropa femenina, innovadora y vanguardista. Klimt y Emilie se conocieron cuando él pintó el retrato de su hermana mayor, que era la esposa del hermano de Klimt. Desde entonces, se hicieron amigos íntimos y posiblemente amantes. Klimt pintó a Emilie en varias ocasiones, siendo la más famosa el retrato titulado El beso, donde aparecen abrazados sobre un fondo dorado. Emilie también influyó en el estilo de Klimt, al introducirle en el mundo de la moda y los tejidos. Su relación duró hasta la muerte de Klimt en 1918, víctima de la gripe española. Emilie heredó todos sus bocetos y dibujos, que guardó hasta su muerte en 1952.

Una de las parejas más famosas y controvertidas de la historia del arte: Pablo Picasso y Dora Maar. Picasso fue un genio de la pintura que revolucionó el arte del siglo XX con sus diferentes estilos y movimientos, como el cubismo, el surrealismo o el expresionismo. Dora Maar fue una fotógrafa y pintora francesa que formó parte del grupo surrealista y que tuvo una relación amorosa con Picasso durante casi diez años. Picasso pintó a Dora en numerosas ocasiones, a veces como una mujer hermosa y elegante, a veces como una mujer angustiada y deformada. Dora también fotografió a Picasso en su estudio, capturando su proceso creativo y su personalidad. Su relación fue intensa pero tormentosa, marcada por los celos, las infidelidades y la violencia. Picasso la abandonó por otra mujer más joven, lo que sumió a Dora en una profunda depresión. A pesar de todo, Dora nunca dejó de amar a Picasso, ni de admirar su obra.

Y para terminar este artículo, quiero hablaros de una pareja de artistas que vivió una historia de amor apasionada y trágica fue la formada por Amedeo Modigliani y Jeanne Hébuterne. Modigliani fue un pintor y escultor italiano que se instaló en París, donde formó parte de la bohemia artística de principios del siglo XX. Jeanne Hébuterne fue una joven pintora francesa que se enamoró de Modigliani cuando tenía 19 años. Juntos tuvieron una hija y esperaban otra cuando Modigliani murió de tuberculosis a los 35 años. Jeanne, desesperada, se suicidó al día siguiente lanzándose por una ventana, embarazada de nueve meses. En una carta de despedida a su hija huérfana, Jeanne se despedía diciéndole lo siguiente; "Lo siento, espero que algún día puedas entender todo el amor que sentía yo por tu padre" Modigliani pintó a Jeanne en varias ocasiones, mostrando su belleza delicada y melancólica. Jeanne también pintó a Modigliani, pero sus obras son menos conocidas. Su amor fue tan intenso como breve, y quedó reflejado en sus lienzos.

Pronto más histórias de Musas, musos y muses.

Os dejo el Link de la primera parte aquí: https://artblog.jordimachi.com/2023/08/musas-musos-y-muses.html

El cartel de Jordi Machí para los premios cervezas Alhambra 2023

 El año pasado, el artista valenciano Jordi Machí se alzó con el premio popular de cervezas Alhambra por su exposición individial "The Fuck*** Mañana" realizado en Galería Cuatro para la tercera edición de los premios cervezas Alhambra 2023, un certamen que reconoce la creatividad y la innovación en el ámbito de la cultura. Y posteriormente la realización del cartel de Cervezas Alhambra 2023 con la obra, titulada “Aquí y Ahora”. El cartel combina elementos tradicionales de la cultura árabe, y de l aAlhambra, con una estética moderna y vanguardista, creando un contraste visual y conceptual que refleja la filosofía de cervezas Alhambra.

¿Qué es lo que nos hace sentir vivos? ¿Qué es lo que nos llena de alegría y de ilusión? ¿Qué es lo que nos hace apreciar cada instante como un regalo?

Para mí, la respuesta es simple: el presente.

El presente es el único momento que tenemos, el único momento que podemos controlar, el único momento que podemos disfrutar porque el pasado ya se fue y el futuro aún no ha llegado. Solo el presente está aquí y ahora.



“Aquí y Ahora” es una oda al presente y te invita a que vivir y a disfrutar cada momento como si fuera único e irrepetible. Que no te pierdas en los recuerdos o en las preocupaciones, sino que te sumerjas en las sensaciones y las emociones del aquí y ahora.

Imagina que estás en una playa al atardecer, después de un día maravilloso de verano. Sientes la brisa en tu cara, el sol en tu piel, la arena en tus pies. Escuchas el sonido de las olas, el canto de las gaviotas, la risa de tus amigos. Hueles el aroma del mar, de la sal, de la vida. En ese momento, te sientes feliz, pleno, agradecido. En ese momento, te sientes vivo. Y entonces, levantas la mano y chocas los cinco con alguien especial. Alguien con quien compartes ese momento mágico. Alguien con quien celebras la vida.

Ese gesto simboliza la complicidad, la alegría y la gratitud. Ese gesto es vida.

“Aquí y Ahora” es una actitud, una filosofía, una forma de vivir. Jordi Machí.

 

La exposición en Galería Cuatro de Machí fue elegida por el público como ganadora tras un concurso popular. El premio popular consistió en una dotación económica y la realización del cartel cervezas Alhambra 2023. 

El premio cervezas Alhambra fue solo uno de los muchos logros que obtuvo Machí en el año 2023, un año que califica como “increíble” y “muy gratificante”. Entre sus proyectos más destacados se encuentran su exposición individual en la Galería Cuatro de Valencia, titulada “The Fuck*** Mañana”, donde presentó una serie de obras que exploran diferentes escenarios posibles para el futuro de la humanidad ganando el premio popular, y su exposición en la Lucie Chang Fine Arts Gallery en Hong Kong, donde mostró su trabajo junto con otros artistas emergentes del panorama nacional Chino e internacional apodados the New Spanish Wave.

Machí reconoce que el año 2023 ha sido un nuevo punto de inflexión en su carrera artística, y que le abrió muchas puertas y oportunidades para seguir creciendo y evolucionando como artista. “Estoy muy agradecido por todo lo que he vivido y aprendido este año, y por el apoyo y el reconocimiento que he recibido tanto del público como de la crítica”, afirma. “También estoy muy orgulloso de haber podido representar a Valencia en eventos tan importantes como los premios cervezas Alhambra o Hong Kong”.

Este año, Machí le pasa el relevo a Gema aLapuente, la ganadora del premio popular de cervezas Alhambra 2024 , con una obra que invita a disfrutar del color en su máxima potencia. Machí felicita a su sucesora y le desea lo mejor en su trayectoria artística. “Me encanta la obra de Gema, creo que tiene mucha personalidad y sensibilidad”, dice. “Espero que le vaya muy bien y que aproveche esta oportunidad para seguir creando y compartiendo su arte con el mundo”.

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Espero que te haya gustado este borrador. Si necesitas más ayuda o tienes alguna sugerencia, no dudes en decírmelo. Estoy aquí para ayudarte. 😊

: [Premios cervezas Alhambra] : [Jordi Machí, ganador del premio popular de cervezas Alhambra 2023] : [Futurología, la exposición de Jordi Machí en la Galería Cuatro] : [Jordi Machí participa en Art Basel Hong Kong 2023] : [Gema aLapuente, ganadora del premio popular de cervezas Alhambra 2024]

Shenzhen ART FAIR, la ciudad del arte y la innovación

By Jordi Machí.

Shenzhen es una ciudad situada al sur de China, en la provincia de Guangdong, que limita con Hong Kong. Es una de las ciudades más pobladas y desarrolladas del país, con más de 20 millones de

habitantes y un PIB per cápita que supera al de Beijing o Shanghai1. Shenzhen es conocida como la “Silicon Valley” de China, por ser el centro de la industria tecnológica y la innovación, albergando a empresas como Huawei, Tencent o DJI1.

Pero Shenzhen no solo destaca por su economía, sino también por su cultura. La ciudad cuenta con numerosos museos, galerías, teatros y espacios creativos que reflejan su diversidad y dinamismo. Entre ellos, destacan el Museo de Arte Contemporáneo y Planificación Urbana (MOCAPE), el Museo de Arte He Xiangning, el Centro Cultural OCT-LOFT o el Parque Creativo Dafen2. Shenzhen también acoge cada año varios eventos culturales, como el Festival Internacional de Cine Creativo (SICAF), el Festival Internacional de Diseño (SZIDF) o la Bienal de Arquitectura y Urbanismo (UABB)2.

Uno de los eventos más relevantes para el sector artístico es la Shenzhen Art Fair, una feria profesional de arte que se celebra desde 2016 en el Centro de Convenciones y Exposiciones de Shenzhen3. La feria reúne a cientos de galerías y artistas nacionales e internacionales, que exhiben sus obras de pintura, escultura, fotografía, instalación, videoarte y otras disciplinas. La feria también ofrece un programa de actividades paralelas, como conferencias, talleres, visitas guiadas y premios.

La última edición de la Shenzhen Art Fair se celebró del 24 al 26 de septiembre de 2021, coincidiendo con la Semana del Arte de Shenzhen3. Entre los participantes, se encontraba el artista valenciano Jordi Machí, que expuso dos obras en la Galería Cuatro. Machí es un pintor figurativo que combina elementos del expresionismo, el pop art y el arte urbano. Sus obras se caracterizan por el uso de colores vivos y contrastados, que crean un efecto de luz y movimiento. Machí ha expuesto su obra en diversos países como Italia, Inglaterra, Líbano, Brasil, Bélgica o Estados Unidos.

Mi participación en la Shenzhen Art Fair demuestra el interés del mercado chino por el arte español y la proyección internacional de los artistas valencianos. La feria también supone una oportunidad para establecer contactos y colaboraciones entre los agentes culturales de ambos países. Así lo expresó Machí en una entrevista: “Es una experiencia muy enriquecedora poder mostrar mi trabajo en China y conocer a otros artistas y galeristas. Creo que hay muchas posibilidades de intercambio y aprendizaje entre las dos culturas”.

Entre las obras que expuse en la Shenzhen Art Fair, se encontraban dos cuadros de gran formato y colorido: Game On y Comic Girl II. Ambas obras son parte de su serie Global Childhood, que explora la influencia de la cultura pop y los videojuegos en la infancia y la juventud de diferentes países.

“Game On” es un acrílico y collage sobre lienzo de 90 x 120 cm, que representa a un niño jugando a una consola portátil. El fondo está lleno de referencias a videojuegos clásicos como Super Mario, Pac-Man o Tetris. El cuadro es un homenaje a los videojuegos como forma de entretenimiento y escapismo, que han marcado la vida de muchas generaciones. El propio artista explica: “Tú que nos ayudaste a huir de este mundo, con quien vivimos aventuras inmersivas sin ningún juicio, siempre serás parte de nuestra vida. Los videojuegos”.

“Comic Girl II” es otro acrílico y collage sobre lienzo, esta vez de 90 x 90 cm, que muestra a una niña leyendo un cómic. El cómic es una adaptación de la novela gráfica Maus, de Art Spiegelman, que narra la historia del Holocausto a través de animales antropomórficos. El contraste entre la inocencia de la niña y la crudeza del cómic crea un efecto de tensión y reflexión. El cuadro es una celebración de la lectura como fuente de placer y aprendizaje. El artista dice: “La delicadeza y calidez de una buena historia, cómics e historias para devorar, un placer casi celestial”.

Estas dos obras están actualmente a la venta en Asia para el mundo, y forman parte de la exposición Global Childhood, que se puede visitar en la Galería Lucie Chang Fine Arts de Hong Kong y en la Galería Cuatro de Valencia4.

Shenzhen Art Fair es una cita imprescindible para los amantes del arte contemporáneo y una plataforma para impulsar el desarrollo cultural de Shenzhen. La ciudad se ha convertido en un referente para el arte y la innovación en China y en el mundo.

Musas, musos y muses

By Jordi Machí

Musas y musos en la pintura, esas personas que inspiraron a los grandes maestros y maestras de la pintura con su belleza, su personalidad, su talento o su amor. ¿Qué sería del arte sin las musas y los musos? Probablemente, mucho más aburrido y menos emocionante. Por eso, voy a contaros algunas historias bellas y reales de algunos artistas con sus musos o musas, y cómo influyeron en su pintura. 

Empecemos por una de las musas más famosas de la historia del arte: la Mona Lisa. ¿Quién era esa mujer que nos mira con una sonrisa enigmática desde el cuadro de Leonardo da Vinci? Pues se trata de Lisa Gherardini, la esposa de un rico comerciante florentino llamado Francesco del Giocondo. Leonardo la retrató entre 1503 y 1519, y se dice que para hacerla sonreír le contaba chistes. No sé si serían muy buenos, porque la verdad es que su sonrisa no parece muy sincera. Quizás estaba pensando en lo que le iba a cobrar Leonardo por el retrato, o en lo que iba a hacer después con su marido. Lo que sí sabemos es que el cuadro nunca se lo entregó al cliente, sino que se lo quedó para él mismo. ¿Sería porque estaba enamorado de Lisa? ¿Pero no era gay?¿O porque era un perfeccionista que nunca estaba satisfecho con su obra? Sea como sea, el caso es que la Mona Lisa se convirtió en una de las obras más famosas y admiradas del mundo, y en una fuente de inspiración para muchos otros artistas.

Otra musa muy conocida es la Venus de Botticelli, la diosa del amor y la belleza que aparece desnuda sobre una concha en el cuadro El nacimiento de Venus. Su rostro corresponde al de Simonetta Vespucci, una joven noble que fue considerada la mujer más bella de Florencia en el siglo XV. Simonetta se casó con Marco Vespucci, primo del famoso navegante Américo Vespucio, y pronto llamó la atención de los artistas y los aristócratas de la ciudad, entre ellos Sandro Botticelli. El pintor quedó prendado de su belleza y la retrató en varias ocasiones, tanto vestida como desnuda. Simonetta murió joven, a los 23 años, de tuberculosis, pero su imagen quedó inmortalizada en las obras de Botticelli. Se dice que el pintor pidió ser enterrado a los pies de su tumba cuando muriera, lo que demuestra el gran amor que le profesaba.

Pasemos ahora a una musa muy diferente: Gala. Gala fue la esposa y compañera inseparable de Salvador Dalí, el genio del surrealismo. Gala nació en Rusia en una familia de intelectuales y se casó con el poeta Paul Éluard, con quien formó parte del círculo vanguardista de París. Allí conoció a Dalí, que quedó fascinado por su personalidad fuerte y dominante. Gala se convirtió en su musa, su manager, su protectora y su cómplice. Juntos crearon una simbiosis artística y sentimental que duró toda la vida. Dalí pintó a Gala en numerosas ocasiones, a veces como una diosa, a veces como una mujer real, a veces como un objeto erótico o simbólico. Gala era mucho más que una modelo para Dalí: era su razón de ser. Por eso le dedicó todas sus obras con la frase “Es todo para ti Gala”. Y por eso también le perdonó sus infidelidades con otros hombres y mujeres. Bueno, eso y porque él también tenía lo suyo con otros.

Y para terminar este artículo, quiero hablaros de un caso muy especial: el de Frida Kahlo y Diego Rivera. Ellos fueron dos grandes artistas mexicanos que se enamoraron y se casaron dos veces. Sí, dos veces, porque su relación fue tan intensa como tormentosa. Frida y Diego se admiraban mutuamente, pero también se traicionaban y se hacían sufrir. Frida sufrió varios problemas de salud que la dejaron estéril y con dolores crónicos. Diego le fue infiel con varias mujeres, incluso con la hermana de Frida. Frida también tuvo sus aventuras, tanto con hombres como con mujeres. Pero a pesar de todo, se quisieron hasta el final. Frida y Diego se pintaron el uno al otro, y también se pintaron a sí mismos. Sus obras reflejan su amor, su dolor, su pasión y su rebeldía. Son un testimonio de dos almas gemelas que se encontraron y se perdieron en el arte.

Estas son solo algunas de las historias de las musas y los musos en la pintura, pero hay muchas más. Cada artista tiene su propia musa o muso, o varias, o ninguno. Lo importante es que el arte nos inspire, nos emocione, nos haga pensar y nos haga sentir. 

 Porque el arte es vida, y la vida es arte. 

La influencia del Manga en mi arte. Jordi Machí

 

Desde que era un niño, me encantaba ver los dibujos animados que ponían en la tele. Corría a casa desde el colegio para no perderme mis series favoritas de manga y anime, como Dragon Ball, Sailor Moon, Doraemon, Ranma 1/2 o Saint Seiya. Estas series me marcaron tanto que me despertaron el interés por el dibujo y la pintura. Me fascinaba la forma en que los artistas japoneses creaban mundos fantásticos, personajes carismáticos y escenas emocionantes con solo unas líneas y unos colores.  Sin duda el manga y el anime han influido en mi estilo artístico y en mi pasión por el arte.

El manga y el anime son dos formas de expresión artística que se originaron en Japón y que han tenido un gran impacto en la cultura y el arte de todo el mundo. El manga es el término que se usa para referirse a las historietas ilustradas, mientras que el anime es el nombre que se le da a la animación japonesa. Ambos medios comparten una estética característica, basada en el uso de líneas simples, colores vivos, personajes expresivos y escenarios detallados.

El manga y el anime tienen una larga historia que se remonta al siglo XII, cuando aparecieron los primeros dibujos humorísticos de animales llamados chōjū-giga. Estos dibujos se consideran los antecedentes del manga moderno, ya que tenían un carácter narrativo y una técnica similar. A lo largo de los siglos, el manga fue evolucionando e incorporando influencias de la pintura tradicional japonesa, el arte occidental, el teatro kabuki y el cine. Algunos de los artistas más destacados del manga fueron Hokusai, Tezuka, Toriyama y Miyazaki.

El anime surgió a principios del siglo XX como una forma de competir con la industria de la animación estadounidense, liderada por Disney. El primer cortometraje de anime se creó en 1917 por el animador Junichi Kouchi. Sin embargo, no fue hasta los años 60 cuando el anime alcanzó su madurez y popularidad, gracias a obras como Astro Boy, Kimba el león blanco y Mazinger Z. El anime se caracteriza por su variedad de géneros, su dinamismo, su creatividad y su capacidad para transmitir emociones.

El manga y el anime han influido en mi arte de muchas maneras. Por un lado, han creado un lenguaje visual propio reconocible. Por otro lado, me han inspirado a explorar nuevos temas, estilos y técnicas. En mi pintura vibrante y llena de color vemos pinceladas gruesas y una deconstrucción de las formas que emocionan sin dejar a nadie indiferente. En mis obras podemos apreciar rasgos del manga y el anime, como los ojos grandes, las expresiones exageradas, los colores vivos o las formas geométricas.

No soy el único artista que ha sido influenciado por el manga y el anime. Estas dos formas de arte han marcado la historia y la cultura de Japón y del mundo. Algunos ejemplos de artistas influenciados por el manga y el anime son:

• Andy Warhol: El famoso artista pop utilizó imágenes de manga y anime en algunas de sus obras, como Mao Tse-Tung (1972), donde incorporó elementos del cómic japonés Lupin III.
• Roy Lichtenstein: Otro representante del pop art que se inspiró en el manga fue Roy Lichtenstein, quien recreó escenas de cómics japoneses en sus pinturas, como Whaam! (1963) o Drowning Girl (1963).
• Takashi Murakami: Este artista contemporáneo japonés es uno de los máximos exponentes del movimiento Superflat, que fusiona la cultura pop japonesa con el arte tradicional. Murakami utiliza elementos del manga y el anime en sus obras, como Mr. DOB (1993) o My Lonesome Cowboy (1998).
• Quentin Tarantino: El famoso director de cine estadounidense es un gran admirador del manga y el anime, y los ha utilizado como referencias e influencias en sus películas. Por ejemplo, en Kill Bill Vol. 1 (2003), incluyó una secuencia animada al estilo anime para contar la historia de O-Ren Ishii.

Y es que el manga y el anime son mucho más que simples dibujitos. Son formas de arte que han enriquecido mi vida y mi obra. 

Por Jordi Machí

Un viaje al corazón del arte mexicano: mi exposición sobre la diversidad funcional

 Por Jordi Machí

Queda muy poco para mi expo en México con la galería Casagama, concretamente será a principios de Febrero, me siento muy emocionado de presentar mi obra en México, un país con una gran tradición y diversidad artística, que ha sido y sigue siendo un referente internacional en el campo de la creación. Mi exposición sobre la diversidad funcional se realizará a principios de febrero, coincidiendo con la celebración de ZONA MACO, la feria de arte más importante de México y una de las más prestigiosas de América Latina.

ZONA MACO es una plataforma que reúne a galerías, coleccionistas, curadores y artistas de todo el mundo, que presentan lo más destacado del arte contemporáneo en diversas disciplinas como pintura, escultura, fotografía, diseño o antigüedades. ZONA MACO es una oportunidad única para conocer las tendencias actuales del arte, así como para establecer contactos profesionales y comerciales. Este año se realizará del 5 al 9 de febrero en el Centro Citibanamex.

Mi obra se inspira en el arte mexicano de los años 20 y posteriores, una época dorada que reflejó los cambios sociales, políticos y culturales que vivió el país tras la Revolución Mexicana. Uno de los movimientos artísticos más importantes y reconocidos fue el muralismo, que tuvo como principales exponentes a Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. Estos artistas plasmaron en las paredes de edificios públicos y privados su visión de la historia, la identidad y las luchas del pueblo mexicano, usando un lenguaje simbólico, expresivo y colorido. El muralismo tuvo una gran influencia en otros países, especialmente en Estados Unidos, donde Rivera realizó varios murales como el de la Industria de Detroit o el de la Universidad de California en San Francisco.

Otra figura destacada del arte mexicano fue Frida Kahlo, esposa de Rivera y una de las artistas más originales y emblemáticas del siglo XX. Frida Kahlo se dedicó principalmente a la pintura, creando obras autobiográficas que reflejaban su sufrimiento físico y emocional, su amor por Diego, su identidad mestiza y su compromiso político. Su estilo se caracterizó por el uso de elementos surrealistas, folclóricos y simbólicos, así como por su intensa paleta de colores. Algunas de sus obras más famosas son Las dos Fridas, La columna rota o Autorretrato con collar de espinas.

El arte mexicano también tuvo otras manifestaciones importantes, como la fotografía, la escultura, el grabado y la literatura. Algunos artistas que sobresalieron en estos campos fueron Manuel Álvarez Bravo, Tina Modotti, Lola Álvarez Bravo, Juan Soriano, Francisco Zúñiga, José Guadalupe Posada, Carlos Mérida, Octavio Paz, Carlos Fuentes y Juan Rulfo.

México se convirtió así en un centro artístico de gran relevancia internacional, que atrajo a muchos creadores extranjeros que buscaban inspiración y libertad. Entre ellos se encontraban León Trotsky, André Breton, Antonin Artaud, Robert Capa o Leonora Carrington.

Mi colección para México pretende rendir homenaje a las personas con diversidad funcional que luchan durante toda su vida para saltar los obstaculos que les pone la sociedad. También busca establecer un diálogo con el público mexicano y con los visitantes de ZONA MACO, invitándolos a reflexionar sobre el arte como una forma de vida, como una forma de resistencia y como una forma de esperanza.

El reconocimiento a los artistas olvidados: el caso de Sorolla

La historia del arte está llena de ejemplos de artistas que fueron admirados y aclamados en su tiempo, pero que luego cayeron en el olvido por los cambios de gustos, modas o criterios estéticos. Algunos de ellos tuvieron que esperar décadas o incluso siglos para ser redescubiertos y valorados por las generaciones posteriores, que supieron apreciar su talento y su originalidad.

Uno de estos casos es el del pintor valenciano Joaquín Sorolla (1863-1923), considerado uno de los grandes maestros de la luz y el color. Sorolla fue un artista prolífico y exitoso, que retrató con maestría la vida y el paisaje de España, especialmente de su tierra natal, que és la mía, Valencia. Fue uno de los primeros pintores españoles en triunfar en USA, sus obras se exhibieron en las principales capitales europeas y americanas, donde recibió numerosos premios y reconocimientos. Su estilo luminista, realista e impresionista le valió el apelativo de “el pintor de la luz”.

Sin embargo, con la llegada de las vanguardias históricas en el siglo XX, el arte de Sorolla fue visto como anticuado, superficial e incluso kitsch por algunos críticos y artistas. Su pintura fue relegada a un segundo plano, mientras se ensalzaban las propuestas más innovadoras y rupturistas de Picasso, Dalí, Miró o Gris. Sorolla murió en 1923, sin ver el declive de su fama y de su prestigio.

No fue hasta los años 70 del siglo pasado cuando se produjo una revalorización de la obra de Sorolla, impulsada por varias exposiciones retrospectivas que mostraron la riqueza y la variedad de su producción. El público redescubrió la belleza y la fuerza de sus cuadros, que reflejaban la luz, el movimiento y la alegría de vivir. También se reconoció su influencia en otros pintores posteriores, como Benjamín Palencia o Antonio López. Hoy en día, Sorolla es considerado uno de los grandes pintores españoles de todos los tiempos, y sus obras se cotizan a precios millonarios en el mercado del arte.

Personalmente, me parece una pena que artistas como Sorolla hayan sido olvidados por tanto tiempo, cuando su obra tiene tanto valor y tanta belleza. Deberíamos ser más abiertos y respetuosos con las diferentes formas de expresión artística, y no dejarnos llevar por los prejuicios o las modas. El arte es una forma de comunicación universal, que nos permite conectar con otras épocas, culturas y sensibilidades. Por eso, creo que es importante recuperar y reconocer a los artistas olvidados, que nos han dejado un legado que enriquece nuestro patrimonio cultural y humano.

El caso de Sorolla nos muestra cómo el reconocimiento a los artistas no es algo fijo e inmutable, sino que depende de factores históricos, culturales y sociales. También nos invita a reflexionar sobre la importancia de no olvidar ni silenciar a aquellos artistas que nos han legado su obra, fruto de su esfuerzo, su pasión y su creatividad. Como dijo el propio Sorolla: “Yo no pinto lo que veo sino lo que siento”. Y lo que sentía era amor por el arte y por la vida.

El bote blanco (1895): En esta obra, Sorolla capta la luz y el color del mar Mediterráneo, con un bote blanco que contrasta con el azul intenso del agua y el cielo. La pintura transmite una sensación de calma y armonía.

Por Jordi Machí